Romantismul și sentimentalismul în artă. Sentimentalismul în artele plastice Sentimentalismul în arta rusă

Arta epocii sentimentalismului își are originea în Europa de Vest de la mijlocul secolului al XVIII-lea. A început să se dezvolte odată cu îndepărtarea treptată a gândirii artistice din acea vreme de ideile iluminismului. Cultul rațiunii a fost înlocuit de sensibilitate. În același timp, ideile iluminatorilor nu sunt uitate, ci regândite. În artă, schimbările au dus la o abatere de la clasicismul clar și direct la sentimentalismul sensibil, pentru că „sentimentele nu mint!”

Stilul s-a manifestat cel mai clar în literatură, unde J.-J. Rousseau a fundamentat ideologic noua direcție: a proclamat valoarea naturii, educarea sentimentelor, plecarea de la socializare în singurătate, de la civilizație la viața în natură, la țară. Alți eroi au intrat în literatură - oameni de rând.

(Louise Leopold Boilly „Gabriel Arnault”)

Artă acceptată cu bucurie idee noua pentru service. Au început să apară pânze cu peisaje caracterizate prin simplitatea compoziției, precum și portrete în care artistul a surprins emoții vii. Pozele subiecților portretului respiră naturalețe, fețele lor reflectă calm și liniște.
Cu toate acestea, lucrările unor maeștri care au creat în stilul sentimentalismului sunt vinovate de sensibilitate moralizantă și exagerată artificial.

(Dmitri Grigorievich Levitsky „Portretul Glafirei Ivanovna Alymova”)

Sentimentalismul secolului al XVIII-lea a apărut din clasicism și a devenit precursorul romantismului. Stilul a fost format pentru prima dată în opera artiștilor englezi la mijlocul secolului și a durat până la începutul celui următor. Atunci a venit în Rusia și a fost întruchipat în picturile artiștilor talentați ai timpului său.

Sentimentalismul în pictură

Sentimentalismul în arta picturii este o viziune specială asupra descrierii realității, prin întărirea și accentuarea componentei emoționale a imaginii artistice. Pictura ar trebui, potrivit artistului, să influențeze sentimentele privitorului și să evoce un răspuns emoțional - compasiune, empatie, tandrețe. Sentimentaliştii pun sentimentul, nu raţiunea, la baza viziunii lor asupra lumii. Cultul sentimentului a fost atât o latură puternică, cât și una slabă a mișcării artistice. Unele tablouri provoacă respingere privitorului prin dulceața lor și dorința de a-l milă deschis, de a-i impune sentimente neobișnuite, de a strânge o lacrimă.

(Jean-Baptiste Greuze „Portretul unei tinere femei”)

Apărând pe „epava” rococo, sentimentalismul a fost, de fapt, ultima etapă a unui stil degenerant. Multe picturi ale artiștilor europeni înfățișează tineri de rând nefericiți cu o expresie inocentă și suferintă pe fețele lor frumoase, copii săraci în zdrențe frumoase și bătrâne.

Artiști sentimentali celebri

(Jean-Baptiste Greuze „Portret” tânărîn pălărie")

Unul dintre reprezentanții de seamă ai mișcării a fost artistul francez J.-B. Visele. Picturile sale cu un complot edificator se remarcă prin moralism și dulceață. Grez a creat multe picturi cu capete de fete tânjind după păsări moarte. Artistul a creat comentarii moralizatoare pentru pânzele sale pentru a le spori și mai mult conținutul ideologic moralizator. Dintre lucrările pictorilor din secolul al XVIII-lea, stilul poate fi citit în picturile lui Ya.F. Hackert, R. Wilson, T. Jones, J. Forrester, S. Dalon.

(Jean-Baptiste Simeon Chardin „Rugăciunea înainte de cină”)

Artistul francez J.-S. Chardin a fost unul dintre primii care a introdus motive sociale în opera sa. Tabloul „Rugăciunea înainte de cină” conține multe trăsături ale sentimentalismului, în special, caracterul instructiv al complotului. Cu toate acestea, pictura îmbină două stiluri - rococo și sentimentalism. Aici este pusă în discuție subiectul importanței participării femeilor în creșterea sentimentelor sublime la copii. Stilul rococo și-a pus amprenta în construirea unei compoziții elegante, multe detalii mici, bogăție paleta de culori. Pozele personajelor, obiectelor și întregului mobilier al camerei sunt elegante, ceea ce este tipic pentru pictura din acea vreme. Dorința artistului de a apela direct la sentimentele privitorului este clar vizibilă, ceea ce indică în mod clar utilizarea unui stil sentimental atunci când pictează pânza.

Sentimentalismul în arta rusă

Stilul a venit în Rusia cu întârziere, în primul deceniu al secolului al XIX-lea, împreună cu moda cameeelor ​​antice, care a fost introdusă de împărăteasa franceză Josephine. Artiștii ruși au transformat două stiluri existente la acea vreme, neoclasicismul și sentimentalismul, creând unul nou - clasicismul rus în forma sa cea mai romantică. V. L. Borovikovsky, A. G. Venetsianov, I. P. Argunov au lucrat în acest fel.

(Semyon Fedorovich Shchedrin „Peisajul din vecinătatea Sankt Petersburgului”)

Sentimentalismul a permis artiștilor să afirme în picturile lor valoarea intrinsecă a personalității umane, a lumii sale interioare. Mai mult, acest lucru a devenit posibil prin arătarea sentimentelor unei persoane într-un cadru intim, atunci când este lăsată singură cu sine. Artiștii ruși au populat peisajul cu eroii lor. Singur cu natura, lăsat în pace, o persoană este capabilă să-și manifeste starea sa naturală de spirit.

artiști sentimentaliști ruși

(Vladimir Borovikovsky „Portretul lui M.I. Lopukhina”)

Pictura lui Borovikovsky „Portretul lui M. I. Lopukhina” este faimoasă. O tânără într-o rochie largi se sprijini grațios de balustradă. Peisajul rusesc cu mesteacăni și flori de colț este propice sincerității, la fel ca și expresia chipului dulce al eroinei. Gândul ei dezvăluie încrederea în privitor. Un zâmbet se joacă pe chipul lui. Portretul este considerat pe bună dreptate unul dintre cele mai bune exemple ale operei clasice rusești. Direcția sentimentală este clar vizibilă în stilul artistic al pânzei.

(Alexey Gavrilovici Venetsianov „Păstorul adormit”)

Printre artiștii din acest timp, pictura clasică rusă s-a manifestat în mod clar în opera lui A. G. Venetsianov. Picturile sale „pastorale” au devenit celebre: picturile „Secerătorii”, „Păstorul adormit” și altele. Respiră prospețime și dragoste pentru oameni. Pânzele sunt pictate în maniera clasicismului rus cu expresie sentimentală. Picturile evocă un răspuns de admirare a peisajului și a chipurilor personajelor din tablouri. Stilul și-a găsit expresia în armonia țăranilor cu natura inconjuratoare, în expresii faciale calme, culori slabe ale naturii rusești.

Arta sentimentalismului cel mai mult formă pură s-a dezvoltat mai ales în Austria și Germania la sfârșitul secolului al XVIII-lea și începutul secolului al XIX-lea. În Rusia, artiștii au pictat într-un mod unic, în care stilul a fost folosit în simbioză cu alte direcții.

Romantismul (romantisme francez) este un fenomen din cultura europeană și americană din secolele XVIII-XIX, reprezentând o reacție la iluminism.

Se caracterizează printr-o afirmare a valorii intrinseci a vieții spirituale și creatoare a individului, reprezentarea pasiunilor și caracterelor puternice (adesea rebele), a naturii spiritualizate și vindecătoare.

Romantismul a apărut pentru prima dată în Germania, printre scriitorii și filozofii școlii din Jena (W. G. Wackenroder, Ludwig Tieck, Novalis, frații F. și A. Schlegel).

În dezvoltarea sa ulterioară, romantismul german s-a remarcat prin interesul pentru motivele de basm și mitologie, care a fost exprimat în mod deosebit în lucrările fraților Wilhelm și Jacob Grimm și Hoffmann.

În Anglia se datorează în mare măsură influenței germane. În Anglia, primii săi reprezentanți sunt poeții „Școlii Lacului”, Wordsworth și Coleridge. Un reprezentant proeminent al romantismului englez este Byron.

În Rusia, romantismul apare în poezia lui V. A. Zhukovsky Poezia lui M. Yu poate fi considerată apogeul romantismului rusesc Versurile filozofice ale lui F. I. Tyutchev sunt atât desăvârșirea, cât și depășirea romantismului.

Reprezentanți ai romantismului în muzică sunt: ​​în Austria, Franz Schubert; în Germania - E. T. A. Hoffmann, Karl Weber, Richard Wagner, Felix Mendelssohn, Robert Schumann; în Italia - Niccolo Paganini, Vincenzo Bellini, Giuseppe Verdi timpuriu; în Franţa - G. Berlioz, D. F. Aubert, J. Meyerbeer; în Polonia Frederic Chopin; în Ungaria Franz Liszt.

În Rusia, A. A. Alyabyev, M. I. Glinka, Dargomyzhsky, Balakirev, N. A. Rimsky-Korsakov, Mussorgsky, Borodin, Cui, P. I. Ceaikovski au lucrat în conformitate cu romantismul

În artele plastice, romantismul s-a manifestat cel mai clar în pictură și grafică, mai puțin clar în sculptură și arhitectură (de exemplu, falsul gotic). Romantismul, spre deosebire de alte stiluri mari, nu și-a dezvoltat propriul sistem vizual și plastic. În artele vizuale, se caracterizează printr-un set complex, contradictoriu de idei, care i-a determinat pe cercetători să identifice mai multe direcții în cadrul mișcării romantice generale. Astfel, în Franța, unde romantismul s-a manifestat în formele sale cele mai dezvoltate, predomină lucrările intens dinamice, cu conținut eroic (J.-L. David, A. J. Gros, F. Ruda etc.) sau dramatic (E. Delacroix). Versiunea germană a romantismului, dimpotrivă, se caracterizează prin dispoziții contemplativ-melancolice (F. O. Runge, K. D. Friedrich, I. A. Koch etc.) și idei religioase și patriarhale (F. Overbeck, P. Cornelius etc. ). Romantismul englez este marcat de motive fantastice și religios-mitice (W. Blake, W. Turner etc.). În SUA, mișcarea romantică este asociată în principal cu pictura peisajului (T. Kohl, J. Inness, A. P. Ryder).

În Rusia, rolul principal în arta romantică aparține portretului (O. A. Kiprensky, K. P. Bryullov), precum și peisajului (Silv. F. Shchedrin, M. N. Vorobyov, începutul I. K. Aivazovsky). Direcția etnografică pe material rusesc a fost dezvoltată talentat în compoziții de gen de către polonezul A. O. Orlovsky. O caracteristică a versiunii ruse a romantismului a fost nevoia artiștilor, studenți ai școlii academice, de a pune idei romantice sub forma unui tablou construit conform canoanelor clasicismului (acestea sunt cele mai semnificative pânze ale picturii istorice rusești - „ Moartea Camilei, sora lui Horace” și „Șarpele de aramă” de F. A. Bruni, „Ultima zi a Pompeii” de K. P. Bryullov, „Apariția lui Hristos în popor” de A. A. Ivanov).

În același timp, cu toată originalitatea școlilor naționale, romantismul are caracteristici care îi permit să-și mențină integritatea ca o singură mișcare. Aceasta este, în primul rând, o respingere a gândirii normative, a percepției lumii (naturii) ca un proces nesfârșit de formare și distrugere. Dorința de a vedea în spatele a tot ceea ce se întâmplă acțiunea unor legi și forțe încă necunoscute, adesea ostile omului O dorință acută, aproape dureroasă, de a se apropia de soluția fenomenului morții revendica vieți omenești (epave, cutremure, inundații etc.) și momente de cotitură în istoria popoarelor individuale și a umanității în ansamblul ei, în același timp, romanticii se răzvrătesc împotriva depersonalizării omului. măsura tuturor lucrurilor.” Întreaga lume se reflectă în om.

Romanticii au pus o valoare deosebit de mare pe personalitatea artistului, compozitorului și scriitorului, legând activitățile lor cu procesul de creație mondială. De aici și interesul puternic pentru tot ce este unic, diferit și special. Romantismul a fost direcția care a stabilit prioritatea modului individual al artistului și, în cele din urmă, a deschis calea spre exprimarea liberă a unei personalități creative.

Majoritatea școlilor naționale de romantism în arte plastice au apărut în lupta împotriva clasicismului academic oficial.

În pictura rusă din a doua jumătate a secolului al XVIII-lea, existau două direcții - clasicismul și sentimentalismul. Sentimentalismul (din francezul „sentiment” - sentiment) este o mișcare artistică caracterizată prin atenție la viața spirituală a unei persoane, senzualitate și o imagine idealizată a oamenilor, a situațiilor de viață și a naturii. Sentimentalismul dă preferință nu rațiunii, ci sentimentelor. În acest sens, credo-ul sentimentalismului este transmis prin cuvintele lui Rousseau: „Rațiunea poate greși, simțind niciodată”. Din perspectivă istorică, sentimentalismul este predecesorul romantismului, prima sa fază istorică. Înrudirea cu romantismul se manifestă prin trecerea la starea de spirit individuală, interes pentru personaje complexe, experiențe schimbătoare.

Trăsăturile sentimentalismului sunt exprimate în lucrările lui V.L. Borovikovski (1757 - 1825). El se caracterizează printr-un interes pentru transmiterea lumii interioare, a stărilor mentale, a stărilor de spirit, în special a vieții unei persoane care visează sau pur și simplu se relaxează și este în unitate cu natura. Imaginile pe care le-a creat sunt foarte poetice și spirituale. Cel mai bun dintre ele este portretul lui M.I. Lopukhina (1797), uimitoare prin lirism și frumusețe, cea mai poetică imagine a secolului al XVIII-lea. Ideile de sentimentalism au apărut chiar și în descrierea împărătesei. Borovikovsky o înfățișează nu ca pe un legiuitor cu toate regaliile imperiale, ci ca pe o femeie obișnuită cu șapcă la o plimbare în parcul Tsarskoye Selo.

Al treilea cel mai mare artist al perioadei analizate este D.G. Levitsky (1735 - 1822) - creatorul unui portret ceremonial, care trebuia să transmită statutul social al unei persoane și un mare maestru al portretelor intime și psihologice. Ei au spus despre Levitsky că a capturat în vopsea întregul „secol al lui Catherine”, a rescris toți nobilii lui Catherine. Cele mai cunoscute lucrări ale lui D.G. Levitsky - portrete ale lui D. Diderot, N.I. Novikova, E.R. Dashkova, N.A. Lvova, P.A. Demidova. Împărăteasa însăși a fost modelul lui. Cea mai faimoasă este reprezentarea ei ca legiuitor (1783). În anii 70, Levitsky a creat o serie de portrete ale studenților Institutului Smolny al Fecioarelor Nobile. Ecaterina a II-a, care se ocupa de probleme de educație, a făcut o comandă pentru portrete. Fete de diferite vârste sunt înfățișate cântând muzică, dansând și pur și simplu pozând (cele mai mici). În general, lui Levitsky îi plăcea să scrie tinerilor de-a lungul vieții sale creative. A fost cel mai iubit portretist al epocii. Contemporanii au fost uimiți de capacitatea sa de a transmite asemănarea unui model, frumusețea țesăturilor, a bijuteriilor și a rafinamentului combinațiilor colorate. Moștenirea lui Levitsky include peste 100 de portrete, care povestesc despre acea epocă nu mai puțin decât cele mai pronunțate memorii.

Cel mai mare reprezentant al clasicismului în pictura rusă a fost A.P. Losenko (1737 - 1773). El este fondatorul genului istoric. S-a născut în Ucraina, a rămas orfan de mic și a ajuns la Sankt Petersburg în corul curții, de unde la 16 ani a fost trimis să studieze la I.P. Argunov, iar în 1759 la Academia de Arte. După absolvirea Academiei, a fost trimis în Franța și Italia. Întors la Sankt Petersburg în 1769, Losenko a devenit profesor și mai târziu director al Academiei de Arte. Desenele și picturile sale ("Sacrificiul lui Avraam", "Cain", "Abel") s-au bucurat de un mare succes printre contemporanii săi, pentru o lungă perioadă de timp au servit drept modele de excelență și au fost adesea copiate de studenți. Talentul artistului a fost dezvăluit cel mai pe deplin în ultimele sale două lucrări - „Vladimir și Rogneda” (1770) și „Adio lui Hector de la Andromache” (1773). Lucrând la un tablou despre prințul Kievului Vladimir, care a decis să o ia prin forță pe prințesa Polotsk Rogneda, Losenko a realizat o serie desene naturale pentru a înfățișa soldații ruși. Acesta este primul tablou istoric rusesc pe o temă națională. În „Adio lui Hector lui Andromache”, Losenko, după ce a ales un complot antic, a acționat ca un maestru caracteristic al clasicismului. El afirmă ideea iubirii de libertate a unei persoane, patriotismul, cetățenia și disponibilitatea pentru eroism. Așa este prezentat Hector, eroul Iliadei lui Homer, luându-și rămas bun de la familie și de la compatrioți înainte de luptă.

Losenko nu a fost doar un pictor istoric talentat, ci și un portretist extraordinar. Unele dintre picturile sale de acest gen au supraviețuit până în zilele noastre, inclusiv un portret expresiv al primului actor rus F.G. Losenko avea să moară devreme, fără să aibă timp să realizeze multe dintre ideile sale creative, iar Academia de Arte și-a pierdut cel mai mare profesor.

Un eveniment important din istoria culturii ruse din a doua jumătate a secolului al XVIII-lea a fost crearea Schitului. În 1764, primul lot de 200 de tablouri achiziționate în Germania a fost livrat la Palatul de Iarnă. Ea a pus bazele muzeului. Galeria de artă a crescut rapid. Acest lucru a fost facilitat de cei mai mari diplomați ruși care au achiziționat opere de artă în străinătate pentru Ecaterina a II-a. D. Golițin, ambasadorul Rusiei în Franța și apoi în Olanda, a fost deosebit de activ. Ecaterina a II-a a colecționat nu numai picturi, ci și diverse pietre și porțelan. În prezent, Ermitajul este unul dintre cele mai mari muzee din lume. Include 5 palate construite de maeștri ruși și străini în a doua jumătate a secolului al XVIII-lea - prima jumătate a secolului al XIX-lea. Este vorba despre Palatul de Iarnă, Schiturile Mici, Vechi și Noi, precum și Teatrul Ermita. În interioarele acestor capodopere arhitecturale există o expoziție grandioasă de opere de artă din toate timpurile și popoarele. Colecția Ermitaj conține aproximativ 3 milioane de exponate.
Literatură. Literatura rusă din această perioadă s-a dezvoltat în conformitate cu clasicismul. Clasicismul în literatură cultivă estetica „trebuie” sau a rezonabilului. Datoria față de propriul stat este pe primul loc. Într-un conflict între pasiune și datorie, datoria învinge întotdeauna. Aspectele intime, cotidiene, ale vieții umane nu au fost de interes pentru scriitorii clasici. Clasicismul se distingea prin normativitatea sa prescrie reguli stricte pentru crearea unei opere literare. A fost necesar să se respecte trei unități în dezvoltarea intrigii (unitatea de timp, loc și acțiune), să se facă distincția strictă între genuri (odă, tragedie, comedie, satira) și să descrie evenimente care au fost de interes pentru societate și stat: războaie și politici ale regilor, fapte ale comandanților.

Clasicii au obținut un succes semnificativ în înfățișarea personajelor tipice, generalizate. Adevărat, aici nu a fost posibil să se evite simplificarea și schematizarea. Toți eroii din operele clasiciștilor au fost strict împărțiți în pozitivi și negativi. Fiecare personaj a exprimat o trăsătură, o „pasiune” - vicioasă sau sublimă. Dar clasiciștii au dobândit o mare pricepere în a descrie aceste pasiuni. Să ne amintim imaginea mincinosului și ipocritului Tartuffe din piesa dramaturgului francez Molière „Burghezii în nobilime” sau tipul leneșului Mitrofanushka din comedia lui Fonvizin „Minorul” (1782).

Fondatorii clasicismului în literatura rusă au fost V.K. Trediakovsky (1703 - 1769), A.P. Sumarokov, M.V. Lomonosov, D.I. Fonvizin (1745 - 1792), G.R. Derzhavin (1743 - 1818). Clasicismul rus se bazează pe aceleași principii ideologice și estetice ca și clasicismul vest-european, dar avea și propriile sale caracteristici naționale. A stat mai aproape de folclor, de baza poetică și a criticat mai aspru deficiențele sociale. Autorii ruși nu au urmat întotdeauna canoanele clasicismului: au amestecat genuri (Derzhavin), nu au văzut o mare problemă în a apela la limbajul colocvial (Sumarokov) și, într-un gen atât de grav și important ca tragedia, s-au abătut vizibil de la comploturile antice. . Clasicii ruși au preferat să-și descrie „eroii”. Dezvăluie adevăruri importante folosind propriul tău exemplu istoria nationala. De exemplu, Lomonosov a cântat în odele sale victoriile trupelor ruse, Petru I, iar Sumarokov în tragediile sale a atras atenția asupra imaginilor prinților nobili și nobililor curajoși. Aceasta a fost o încălcare a reglementărilor acceptate Europa de Vest tradiții, conform cărora privitorul ar trebui să fie introdus în frumosul în genul tragic prin eroi și comploturi antice.

Sentimentalismul este o mișcare de artă din Europa de Vest care a luat naștere în a doua jumătate a secolului al XVIII-lea. Numele provine din latinescul sentiment - „sentiment”. Sentimentalismul în pictură se deosebea de alte mișcări prin faptul că obiectul său principal era viața unui „mic” din sat, reflectând și rezultatul gândurilor sale. Societatea urbană civilizată, construită pe triumful rațiunii, a trecut astfel în plan secund.

Curentul sentimentalismului a îmbrățișat genuri de artă precum literatura și pictura.

Istoria sentimentalismului

Mișcarea numită în artă a apărut în a doua jumătate a secolului al XVIII-lea în Anglia. Principalii săi ideologi în literatură, care au stat la fundații, sunt considerați a fi James Thomson (Anglia) și Jean-Jacques Rousseau (Franța). Dezvoltarea regiei s-a reflectat și în apariția sentimentalismului în pictură.

Artiștii sentimentaliști în picturile lor au arătat imperfecțiunea civilizației urbane moderne, bazată doar pe rațiune rece și fără a da de mare importanta percepția senzorială a lumii. În perioada de glorie a acestei mișcări, se credea că adevărul poate fi obținut nu prin procesul de gândire logică, ci prin percepția emoțională a lumii înconjurătoare.

Apariția sentimentalismului a fost, de asemenea, un contrast cu ideile iluminismului și clasicismului. Gândurile iluminatorilor din perioada anterioară au fost complet reelaborate și regândite.

Sentimentalismul ca stil în artă a existat până la sfârșitul secolului al XVIII-lea. începutul XIX secol, devenind larg răspândit în Europa de Vest. În zorii zilei sale de glorie, mișcarea a apărut în Rusia și a fost întruchipată în lucrările artiștilor ruși. La începutul secolului următor, romantismul a devenit succesorul sentimentalismului.

Trăsături ale sentimentalismului

Odată cu apariția sentimentalismului în pictura secolului al XVIII-lea, au început să apară noi subiecte pentru picturi. Artiștii au început să dea preferință simplității compozițiilor pe pânză, încercând să transmită prin munca lor nu numai înaltă îndemânare, ci și emoții vii. Pânzele cu peisaje au arătat liniștea și liniștea naturii, iar portretele reflectau naturalețea oamenilor înfățișați. În același timp, picturile din epoca sentimentalismului transmit foarte adesea o moralizare excesivă, o sensibilitate sporită și prefăcută a personajelor lor.

Pictura sentimentalistă

Tablourile realizate de artiști în direcția descrisă reflectă realitatea, mult sporită prin prisma emoțiilor și sentimentelor: componenta emoțională din tablouri este primordială. Reprezentanții acestei mișcări credeau că sarcina principală a artei este de a evoca emoții puternice în observator, de a-l face să empatizeze și să simpatizeze cu personajul principal al tabloului. Exact așa se întâmplă, după sentimentaliști, percepția realității: cu ajutorul emoțiilor, și nu cu gândurile și rațiunea.

Pe de o parte, această abordare are avantaje, dar nu este lipsită de dezavantaje. Picturile unor artiști provoacă respingere în observator prin emotivitatea lor excesivă, dulceața și dorința de a evoca cu forță un sentiment de milă.

Eroi ai portretelor în stilul sentimentalismului

În ciuda posibilelor neajunsuri, trăsăturile epocii sentimentalismului în pictură fac posibilă vedea viața interioară om obisnuit, emoțiile sale conflictuale și experiențele constante. De aceea, în secolul al XVIII-lea, portretele au devenit cel mai popular tip de gen pentru picturi. Eroii au fost înfățișați pe ele fără elemente sau obiecte interioare suplimentare.

Cei mai celebri reprezentanți ai acestui gen au fost artiști precum P. Babin și A. Mordvinov. Personajele pe care le înfățișează au o stare de spirit liniștită, ușor de citit de către privitor, deși fără psihologie excesivă.

Un alt reprezentant al sentimentalismului, I. Argunov, a pictat tablouri cu o viziune diferită. Oamenii din pânzele sale sunt mai realiști și departe de a fi idealizați. Obiectul principal de atenție este fața, în timp ce alte părți ale corpului, de exemplu, mâinile, pot să nu fie deloc atrase.

În același timp, Argunov a evidențiat întotdeauna culoarea principală în portretele sale ca un loc separat pentru o mai mare expresivitate. Unul dintre reprezentanții de seamă ai mișcării a fost și V. Borovikovsky, care și-a pictat picturile în conformitate cu tipologia portreteștilor englezi.

De foarte multe ori, sentimentaliștii alegeau copiii drept eroi ai tablourilor. Au fost înfățișați ca personaje mitologice pentru a transmite spontaneitatea sinceră și trăsăturile de caracter caracteristice copiilor.

Artiști sentimentaliști

Unul dintre principalii reprezentanți ai sentimentalismului în pictură a fost artistul francez Jean-Baptiste Greuze. Lucrările sale se remarcă prin emotivitatea prefăcută a personajelor, precum și prin moralizarea excesivă. Subiectul preferat al artistului a fost portretul unei fete care suferea din cauza păsărilor moarte. Pentru a sublinia rolul edificator al intrigii, Greuze și-a însoțit tablourile cu comentarii explicative.

Alți reprezentanți ai sentimentalismului în pictură sunt S. Dalon, T. Jones, R. Wilson. Lucrările lor prezintă, de asemenea, principalele trăsături ale acestei direcții de artă.

Artistul din Franța Jean-Baptiste Chardin a interpretat și el unele dintre lucrările sale în acest stil, completând în același timp tipologia existentă cu propriile sale inovații. Astfel, el a introdus elemente de motive sociale în creativitatea mișcării.

Lucrarea sa „Rugăciunea înainte de cină”, pe lângă trăsăturile sentimentalismului, are trăsături ale stilului rococo și poartă o nuanță instructivă. Ea arată importanța educației feminine pentru formarea emoțiilor sublime la copii. Cu ajutorul unui tablou, artistul își propune să evoce în observator diverse sentimente, ceea ce este tipic pentru stilul sentimental al picturii.

Dar, în plus, pânza este plină cu un număr mare de detalii mici, culori strălucitoare și numeroase și există și o compoziție complexă. Tot ce este descris este deosebit de elegant: interiorul camerei, ipostazele personajelor, hainele. Toate cele de mai sus sunt elemente importante ale stilului rococo.

Sentimentalismul în pictura rusă

Acest stil a venit în Rusia cu întârziere, împreună cu popularitatea camee-urilor antice, care au intrat în modă datorită împărătesei Josephine. În Rusia, artiștii au combinat sentimentalismul cu o altă tendință populară - neoclasicismul, formând astfel un nou stil - clasicismul rus sub formă de romantism. Reprezentanții acestei direcții au fost V. Borovikovsky, I. Argunov și A. Venetsianov.

Sentimentalismul a afirmat necesitatea de a lua în considerare lumea interioară a omului, valoarea fiecărui individ. Acest lucru a devenit realizabil datorită faptului că artiștii au început să arate o persoană într-un cadru intim, atunci când acesta rămâne singur cu experiențele și emoțiile sale.

Sentimentaliștii ruși în picturile lor au plasat figura centrală a eroului într-un tablou de peisaj. Astfel, o persoană a rămas în compania numai a naturii, unde a existat posibilitatea de a exprima cea mai naturală stare emoțională.

Sentimentaliști ruși celebri

În pictura rusă, sentimentalismul nu a apărut aproape niciodată în forma sa pură, de obicei combinat cu alte tendințe populare.

Una dintre cele mai cunoscute lucrări, într-un fel sau altul realizată în stilul sentimentalismului, este pictura de V. Borovitsky „Portretul Mariei Lopukhina”. Înfățișează o tânără într-o rochie sprijinită de o balustradă. Pe fundal se vede un peisaj cu mesteacani si flori de colt. Chipul eroinei exprimă atenție, încredere în mediu și, în același timp, în privitor. Această lucrare este considerată pe bună dreptate cel mai remarcabil obiect de artă al picturii rusești. În acest caz, în stil se observă trăsături evidente ale sentimentalismului.

Un alt reprezentant cunoscut al sentimentalismului în pictura rusă poate fi numit A. Venetsianov cu picturile sale pe teme pastorale: „Secerătorii”, „Păstorul adormit”, etc. Ele înfățișează țărani pașnici care au găsit armonie în unitate cu natura rusă.

Urma sentimentalismului în istorie

Sentimentalismul în pictură nu se distingea printr-un singur stil și integritate, dar a dat naștere unor trăsături prin care lucrările acestei mișcări pot fi ușor recunoscute. Acestea includ tranziții netede, linii rafinate, aerisire a parcelelor și o paletă de culori cu predominanța nuanțelor pastelate.

Sentimentalismul a marcat începutul modei medalioanelor cu portrete, produse din Fildeş, pictură bună. După cum am menționat deja, în secolul al XIX-lea, datorită împărătesei Josephine, cameeurile antice s-au răspândit.

Sfârșitul erei sentimentalismului

În secolul al XVIII-lea, mișcarea în pictură, sentimentalismul, a marcat începutul răspândirii unui astfel de stil precum romantismul. A devenit o continuare logică a direcției anterioare, dar avea și trăsături opuse. Romantismul se distinge prin religiozitate ridicată și spiritualitate sublimă, în timp ce sentimentalismul a promovat autosuficiența experiențelor interne și bogăția lumii interioare a unei singure persoane.

Astfel, epoca sentimentalismului în pictură și alte forme de artă s-a încheiat odată cu apariția unui nou stil.